B.S.O.


Los Hermanos Coen (Joel y Ethan)

Los hermanos Coen se han convertido en los mayores exponentes del cine independiente en norteamérica.Sus películas entusiasman a los críticos y atraen a las salas de cine a un numeroso público. Su estética, que está a medio camino entre Hollywood y el cine independiente, no sería la que es sin el poder económico de las grandes compañías que distribuyen sus películas. Es una situación privilegiada, pues pocos son los cineastas capaces de conservar su integridad artística en sus tratos con Hollywood. Sin embargo poseen la osadía de sacrificar algunos miles de dólares del presupuesto a cambio de mantener un alto grado de independencia creativa.

El cine de los hermanos Coen es un cine personal, más querido por el público europeo que el estadounidense, lo que no les impide contar con repartos estelares, aunque el hecho de no formar parte del gran Hollywood les ha impedido encontrar la financiación necesaria para llevar a cabo el que sería su próximo proyecto. Están considerados como los principales representantes del cine independiente norteamericano.
FILMOGRAFÍA:
Sangre fácil (1985)
Arizona Baby(1987)
Muerte entre las flores (1990)
Barton Fink (1991)
El gran salto (1994)
Fargo (1996)
El gran Lebowski (1998)
O Brother! (2000)
El hombre que nunca estuvo allí (2001)
Crueldad intolerable (2003)
El quinteto de la muerte (2004)
Paris, je t'aime! (2006)
No es país para viejos (2007)

Emir Kusturica


Director de cine bosnio, nacido en Sarajevo .Estudió en la escuela de cine de Praga. Allí rodó la película Guernica, por la que en 1978 recibió su primer premio en el Festival de Cine de Karlovy Vary. En 1979 regresó a Yugoslavia y trabajó para la televisión de Sarajevo. Después de realizar varios telefilmes, dirigió su primera película, ¿Te acuerdas de Dolly Bell? (1981), que obtuvo el León de Oro en el Festival Internacional de Cine de Venecia. Obtuvo gran éxito con la sátira Papá está en viaje de negocios (1984), que refleja la era del estalinismo en la Yugoslavia de la década de 1950 a través de la mirada de un joven de 16 años. Por este trabajo estuvo nominado al Oscar en la categoría de mejor película de habla no inglesa y fue premiado con la Palma de Oro en el Festival de Cannes. El tiempo de los gitanos (1989) cuenta la historia de un joven gitano rumano que abandona su patria serbia y se incorpora a una banda de ladrones en Italia. Por esta película obtuvo en Cannes el premio a la mejor dirección. A comienzos de la década de 1990 se marchó a EEUU, donde rodó y produjo la película Arizona Dream (1992). Esta tragicomedia, que cuenta la historia de un joven que se enamora de una viuda madura y de su hijastra, seduce, entre otras cosas, por las magníficas interpretaciones de los actores y por sus imágenes llenas de fuerza.

Debido a los elementos surrealistas y fantásticos, y a la mezcla de realidad y ficción, el estilo de Kusturica sería calificado como realismo mágico, en referencia a la corriente literaria latinoamericana. En Underground (1995), una epopeya de tres horas de duración, se enfrenta con mirada crítica al pasado serbio, desde la II Guerra Mundial hasta la guerra civil, en la antigua Yugoslavia. Debido a la clara posición política de Kusturica en el filme, se creó muchos enemigos en su país. La película fue premiada con la Palma de Oro en Cannes. Desde entonces Emir Kusturica vive en Francia, donde, en 1997, rodó Gato negro, gato blanco. En 2000 debutó como actor en la película del realizador francés Patrice Leconte La viuda de Saint-Pierre.


FILMOGRAFÍA:


Maradona, (2008)
Promise me this, (2007)
La vida es un milagro, (2004)
Super 8 Stories, (2001-documental)
Gato negro, gato blanco, (1998)
Underground, (1995)
El sueño de Arizona, (1993)
Tiempo de gitanos, (1988)
Papá está en viaje de negocios, (1985)
¿Te acuerdas de Dolly Bell?, (1981)
The Brides are coming, (1978)
Guernica, (1978-corto)

Lars Von Trier


El director danés Lars von Trier es reconocido mundialmente por su visión crítica del mundo expresada a través de sus películas dramáticas las cuales han generado tanto el clamor por parte de los expertos como también críticas por los métodos de filmación.
Lars von Trier fue uno de los creadores del Dogma 95, un movimiento cinematográfico con el cual se llama al regreso de historias más creíbles en la industria fílmica apartándose de los efectos especiales y dirigiéndose principalmente hacia un uso técnico mínimo, con el fin de encontrar una verdad más profunda. (trataremos este tema más ampliamente)
Aquí os mostramos algunas peculiaredades de este singular director para comprender sus películas:
Lars von Trier posee una personalidad difícil de tratar. A continuación os indicamos algunas claves para ayudaros.
-Claustrofobia: no soporta estar encerrado en una sala de cine o en un ascensor.
-Paranoia: fue ingresado en un psiquiátrico a los 12 años, de donde le viene su odio a los médicos y su convicción de que en cada Festival hay uno o dos enemigos en el Jurado.
-Agorafobia: cada vez es más incapaz de desplazarse, detesta los aeropuertos, las estaciones de tren, las autopistas y, de repente, no pudo acudir a Cannes hace dos años para presentar Rompiendo las olas, ni siquiera para recibir su Gran Premio del Jurado.
-Casado por segunda vez: se divorció de su primer matrimonio para casarse con la tutora de su hija.
-Creyente: durante mucho tiempo creyó que era judío antes de que su madre le revelara (en su lecho de muerte) que su padre no era su verdadero padre y decidiera convertirse al catolicismo.
-Susceptible: llamó al Presidente del Jurado, Roman Polanski "enano" cuando la Palma de Oro se le escapó de las manos.
-Solitario: no da casi entrevistas, prefiriendo desmbarazarse del contacto con los periodistas con una rueda de prensa y dejar "a su obra hablar por él".

Su lema: "a un película se la debe sentir como a una piedra en el zapato"

FILMOGRAFÍA

El jefe de todo esto (2006)
Manderlay (2005)
Dogville (2003)
Bailar en la oscuridad (2000)
Los idiotas (1998)
Rompiendo las olas (1996)
Europa (1991)
El elemento del crimen (1984)

David Lynch


David Lynch es un director que por lo general cuenta historias dramáticas y de suspense con un contenido extremadamente extraño que ha tocado todo tipo de estética o subgénero a la hora de contar sus historias (gore, road-movies, musical, erótico, etc.).
La estética en este pintor-director tiene gran importancia, pero no solo se muestra mediante los colores sino que se hace patente al crear una atmósfera mediante la decoración, el vestuario, maquillaje, la fisonomía de los actores e incluso la música tiene bastante de componente plástico.
Lynch es un artista que necesita ver su obra en movimiento. Pero sus películas nos esconden algo inquietante. Ese algo se muestra poco a poco a lo largo del film mediante un camino que van recorriendo tanto los personajes como los espectadores. Todo lo bello y tranquilo son máscaras de la realidad y David Lynch las irá desprendiendo una a una. No se quiere dar a entender con esto una visión pesimista de la realidad sino verla en su conjunto. De este modo podremos descubrir los vicios, fobias, misterios y crueldades que contiene la sociedad, en particular la americana.

FILMOGRAFÍA

1976 · Cabeza Borradora (Eraserhead) ·
1980 · El hombre elefante (The elefant man) ·
1984 · Dune (Dune) ·
1986 · Terciopelo Azul (Blue Velvet) ·
1990 · Corazón salvaje (Wild at Heart) ·
1992 · Twin Peaks: Fire walk with me ·
1996 · Carretera Perdida (Lost Highway) ·
1999 · Una historia verdadera (The straight story) ·

Orson Welles


Welles comenzó a trabajar a los 16 años en el teatro en Dublín, Irlanda. Pronto se trasladó a Nueva York, donde debutó al año siguiente en Broadway con la representación de Romeo y Julieta.

Fundó posteriormente la compañía de teatro Mercury Theatre, con la que obtuvo gran éxito. En 1938, junto con varios colegas de su compañía, representó por radio, en la cadena CBS, una adaptación de la obra de H. G. Wells La guerra de los mundos. El realismo fue tal que la emisión causó auténtico pánico en Nueva Jersey, donde, según la obra, estaba teniendo lugar la invasión de los extraterrestres. Este episodio le dio fama mundial, lo que llevó a la RKO Pictures a contratarle en 1939 con plena libertad para escribir, producir y dirigir dos peliculas.

El contexto internacional del año 1939 - inestabilidad en Europa, inicio de la Segunda Guerra Mundial - también contribuyeron a potenciar el efecto que la representación de Welles tuvo en una audiencia muy sensibilizada por esos acontencimientos.

Posteriormente, Welles convenció al guionista Herman J. Mankiewicz para escribir una historia basada en la vida de William Randolph Hearst, magnate de la prensa, propietario de dos importantes periódicos. Tras unos retoques que él mismo realizó en el guión, Welles dirigió la película bajo el título de Ciudadano Kane, considerada la mejor película de la historia de Hollywood. Hearst intentó prohibir la proyección, pero se estrenó en 1941 con gran éxito de crítica, aunque no de taquilla, debido a las trabas que tuvo en la distribución, promovidas por Hearst.

Hasta ese momento la experiencia de Welles como realizador cinematrográfico era casi nula, por lo que comenzó a interiorizarse de la técnica y del lenguaje del cine, contribuyendo además con un estilo visual propio, inédito para la época, como el uso del "documental" dentro de la propia historia. Tenía 24 años cuando hizo la película más importante de la historia del cine.

Para el guión de su segunda película, El cuarto mandamiento (1942), Welles se basó en la novela The magnificent Ambersons de Booth Tarkington (Premio Pulitzer en 1919). La película reflejaba la vida de una familia norteamericana a principios del siglo XX. El montaje final de Welles fue alterado por la RKO hasta tal punto que el cineasta diría que habían arruinado su obra. No obstante la película conserva el vigor creativo de Ciudadano Kane.

Con El extraño (1946) Welles se puso al frente de un proyecto en el que, como él mismo reconoció, su implicación personal fue mínima. A pesar de todo demostró que también sabía ser un eficaz artesano.

La dama de Shanghai (1948), con su apariencia de thriller al uso, y similar en varios aspectos al filme Vertigo de Hitchcock (1958) —la ciudad de San Francisco, California, el teñido del cabello de Rita Hayworth, el traje sastre gris— trascendió los límites del género y de un enrevesado argumento, para convertirse en una tela de araña que atrapa al espectador con una rara fascinación. Se recuerda especialmente la escena en la galería de los espejos.

Mr. Arkadin (1954) se resintió de un argumento que parecía querer aprovechar muchas de las premisas de Ciudadano Kane, así como de un reparto poco adecuado si exceptuamos la interpretación del propio Welles en su papel protagonista.

Sed de Mal (1958) es su segunda obra maestra después de Ciudadano Kane. En este subyugante thriller Welles se reserva el papel de un obeso inspector de policía que utiliza métodos de una ética más que dudosa. La película recorre un mundo onírico y de ambientes enfermizos que tiene ecos de drama shakespeariano.

En El proceso (1962) Welles intentó adaptar la novela de Franz Kafka sirviéndose de su particular estilo cinematográfico. El resultado global fue desigual, aunque notable en muchas escenas.

Welles ofreció una personalísima y muy intensa visión del mundo de Shakespeare en tres películas: Macbeth (1948), Othello (1952) y Campanadas a medianoche (1966). Ésta última, inspirada en diversas obras del dramaturgo inglés, es un monumento de inventiva visual y maestría interpretativa. La película tiene como hilo conductor a Sir John Falstaff, interpretado por el propio Welles.

En 1973, Welles estrena Fraude, una película de corte experimental planteada como un falso documental que se anticipa a algunas propuestas del cine postmoderno y que fue reconocida como influyente por realizadores como Jean-Luc Godard.

Actor prolífico, Welles a menudo usaba su trabajo de actor para financiar sus proyectos como director. Fue uno de los directores de mayor talento de la historia del cine, Ciudadano Kane, en su momento y ahora, representó (y representa) un prodigio de la técnica y narrativa cinematográfica. El plano secuencia inicial de Sed de mal (una toma ininterrumpida de varios minutos)demuestra un dominio de la puesta en escena y organización de los movimientos como sólo un cineasta de su categoría podía conseguir. Incluso obras menores como El extraño presentan rastros de su gran talento.

FILMOGRAFÍA

1941 - Ciudadano Kane (Citizen Kane)
1942 - El cuarto mandamiento (The Magnificent Ambersons)
1942 - It's all true - Película inacabada
1945 - El extraño (The Stranger)
1947 - La dama de Shangai (The Lady of Shangai)
1947 - Macbeth (Macbeth)
1952 - Otelo (Othello)
1955 - Mr. Arkadin (Mister Arkadin/Confidential report)
1957 - Sed de Mal (Touch of Evil)
1962 - El proceso (The Trial)
1965 - Campanadas a medianoche (Chimes at Midnight)
1966 - The Immortal Story
1967 - The Deep - Película inacabada
1969 - Don Quixote - Película inacabada
1970 - Al otro lado del viento - Película inacabada
1973 - Fraude (F for Fake)
1978 - Filming Othello

(Datos extraidos de wikipedia, google, youtube)

Quentin Tarantino




Este director es uno de nuestros preferidos, en dos palabras: original y violento, llaman al morbo.


Se hizo muy popular durante la década de 1990 como guionista que trajo nueva vida incluso a los arquetipos más estereotipados de los Estados Unidos. A pesar de su corta carrera, se le considera como uno de los iconos del cine independiente estadounidense y sus películas se han movido entre la polémica.


Se dio a conocer gracias a True Romance (traducida como Amor a quemarropa en España), una película admirable y sinuosa, el principio de lo que viene a ser su carrera, un principio en el que ya se definen unas características y un estilo que va a emplear en la gran mayoría de sus películas.


El estreno de True Romance (1993) le dio a Tarantino la oportunidad de trabar amistad con el productor Lawrence Bender, que le animó a dirigir Reservoir Dogs (Perros Encerrados, estrenada en 1992) y Pulp Fiction (Tiempos violentos, estrenada en 1994). Pulp Fiction se hizo con la Palma de Oro en el Festival de Cannes de 1994. La siguiente película de Tarantino, Jackie Brown (1997), estaba basada en una novela de Elmore Leonard y contaba con Pam Grier en el papel protagonista. Estreno Kill Bill en dos partes separadas, el 2003 y 2004. Su ultima pelicula estrenada es Grindhouse (2007), creada en colaboración con Robert Rodríguez, Tarantino dirige el segmento Death Proof.





En mi opinión debo decir que la última película, death proof, es la mejor persecución de coches que ha habido en la historia del cine, aunque no sabría escoger una película debido a que cada una es muy buena.

Tarantino, ha colaborado con Robert Rodriguez en algunas escenas de Sin City (2005) y ha sido productor de la película de terror del subgénero gore Hostel (2005), dirigida por Eli Roth, que cuenta con sangrientas e impactantes escenas de tortura, y que le ha ganado críticas por su escaso nivel artístico y su chocante sadismo.

El estilo de Tarantino tiene ciertas características si os fijáis bien:

-Una de las marcas de Tarantino son los característicos planos desde el interior de un maletero que aparecen en todas y cada una de sus películas.

-Fetichista de los pies: Es normal en sus filmes que las actrices exhiban sus pies descalzos y en ocasiones en primer plano.

-el Zippo aparece también en todas sus películas.

-En todas sus películas la gente fuma cigarrillos "Red Apple".

-En algunas películas suyas la gente consume hamburguesas hawaianas inventadas por el propio Tarantino, concretamente las "Big Kahuna".

-En la mayoría de sus películas aparecen serpientes.

-En todas hay escenas sangrientas.

-El vocabulario normalmente es vulgar.

-En una escena de Death Proof, se puede apreciar que el Ringtone del móvil de una de las chicas es la canción Twisted Nerve de Bernard Herrmann, la famosa canción del silbido de Kill Bill.

-Normalmente hay giros y comentarios discriminatorios hacia negros y judíos, aunque ese no es el tema central de los diálogos.

-La película "Grind House" la dirigió junto al director Robert Rodríguez. Cada director escribe y dirige su propio guión de una hora de duración.

FILMOGRAFÍA

Grind House: Death Proof (2007)
Sin City (Director invitado) (2005)
Peligro sepulcral (episodio de CSI: Crime Scene Investigation (2005))
Kill Bill Vol.2 (2004)
Kill Bill Vol.1 (2003)
Jackie Brown (1997)
Four Rooms (1995)
Motherhood. Episodio de Urgencias (1995)
Pulp Fiction (1994)
Reservoir Dogs (1992)
My Best Friend's Birthday (1987)


(Información de Google, Wikipedia, youtube)